Libri di Rossella Menegazzo

Con Hokusai, Utamaro e Kuniyoshi, Utagawa Hiroshige (1797-1858) è uno dei grandi protagonisti dell'ukiyoe. Rispetto a Hokusai, con cui si confronta continuamente avendo una trentina d'anni di meno, Hiroshige riesce a portare il paesaggio e la natura al centro della sua opera donando all'osservatore quel senso di armonia, serenità e calma che ancora oggi tutti apprezzano e per le cui qualità spesso è maggiormente apprezzato e considerato il "maestro della natura". Hiroshige infatti tratta la figura umana con segni veloci, spediti che talvolta ricordano ai nostri occhi i bozzetti dei manga o delle animazioni (anime), semplificati ed essenziali. Pubblicata in occasione della mostra romana, la monografia presenta una selezione di circa 230 opere dalle più importanti serie di Hiroshige comprendenti vedute di luoghi celebri della capitale Edo così come delle province più lontane, ma anche un corpus di immagini di animali, fiori e insetti tra le più ammirate, oltre a disegni originali e matrici di stampa ancora intatte. La monografia, che traccia l'intero percorso artistico del maestro giapponese, è suddivisa in otto sezioni tematiche all'interno delle quali si affrontano le singole serie più significative in modo esemplificativo ed esaustivo: Le prime opere; Immagini di viaggio; Fiori, uccelli e luna; Vedute di luoghi lontani; Vedute della Capitale Orientale; Hiroshige: vita e opere; Hiroshige e la sua grafica: contemporanei e Occidente.

Il volume racconta l'arte ukiyo-e, la pittura del Mondo Fluttuante che all'etica del samurai contrappone il godimento di ogni singolo momento, il piacere e il divertimento in ogni sua forma. Tante furono le scuole e gli artisti che si specializzarono in questi temi, tuttavia tre sono i maestri che ancora oggi rimangono punti di riferimento indiscussi: Katsushika Hokusai (1760-1849), Utagawa Hiroshige (1797-1858) e Kitagawa Utamaro (1753-1806). Attraverso una selezione di oltre 200 silografie policrome - tra cui l'iconica Grande onda e la serie delle Trentasei vedute del monte Fuji di Hokusai - e libri illustrati provenienti dalla prestigiosa collezione della Honolulu Academy of Arts, il volume mette in luce da una parte le peculiarità tecniche, l'abilità e l'eccentricità dei singoli artisti, dall'altra il mercato dell'immagine dell'epoca che richiedeva di trattare soggetti precisi, luoghi e volti ben noti al pubblico, temi e personaggi alla moda. Una domanda intorno alla quale crescevano inevitabilmente rivalità, prima ancora che tra gli stessi artisti, incisori e stampatori per dar vita a serie di stampe sempre diverse per soddisfare un mercato dell'editoria sempre più esigente e ampio, ricorrendo a espedienti come formati originali (verticali, orizzontali, in forma di ventaglio, in formato di libro) e inquadrature differenti dei soggetti.

Realizzata in oltre sessant'anni di intensa e prolifica attività, la produzione artistica di Katsushika Hokusai (1760-1849) è vastissima e versatile e costituisce una fonte inestimabile di conoscenza di quel "Mondo Fluttuante" di epoca Edo (1603-1868) reso nelle immagini dell'ukiyoe, stampe artistiche su carta da matrici di legno che, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, conquistarono il pubblico europeo. Hokusai ha esplorato soggetti di ogni tipo: dal paesaggio alla natura, animali e fiori, dal ritratto di attori kabuki a quello di beltà femminili e di guerrieri, fino alle immagini di fantasmi e spiriti e di esseri e animali semileggendari. Era uno sperimentatore che variava formati e tecniche: dai dipinti a inchiostro e colore su rotolo verticale e orizzontale, alle silografie policrome di ogni misura per il grande mercato, fino ai più raffinati surimono, usati come biglietti augurali, inviti, calendari per eventi e incontri letterari, cerimonie del tè, inviti a teatro. I volumi dei Manga, che raggruppano centinaia di schizzi e disegni tracciati dal maestro e stampati in solo inchiostro nero con qualche tocco di vermiglio leggero, rappresentano il compendio di tanta eccentricità e genialità messa a disposizione di giovani artisti e pittori quali modelli per ogni genere di soggetto. Attraverso oltre 200 opere provenienti dal Chiba City Museum of Art e da altre importanti collezioni giapponesi e internazionali, «Hokusai. Sulle orme del Maestro» racconta e confronta la produzione del Maestro con quella di alcuni tra gli artisti che hanno seguito le sue orme dando vita a nuove linee, forme ed equilibri di colore all'interno dei classici filoni dell'ukiyoe.

"Wa", in giapponese, rimanda al concetto di armonia e pace, ma è anche sinonimo del Giappone e della sua cultura. Per questo è stato scelto come chiave di lettura per riferirsi a quella "giapponesità" che l'Occidente identifica come paradigma di bellezza e che nel campo del design si traduce nella semplicità delle forme, nell'utilizzo di materiali naturali, ma anche in un'attitudine interiore nei confronti dell'artigianato, dell'arte e della vita in generale. Dai kimono alle scatole da cibo laccate, dai ventagli alle ceramiche Raku, passando per i pezzi classici di maestri come Shiro Kuramata e Sori Yanagi senza tralasciare le produzioni di stilisti contemporanei e designer emergenti, le 250 opere si susseguono tracciando deliziosi parallelismi tra passato e presente, tra forme e materiali, in un gioco di irregolarità e asimmetrie, di pieni e vuoti, per guidare il lettore in un bellissimo viaggio alla scoperta dello spirito del Sol Levante.

Il libro sul Giappone da leggere prima di un viaggio, ma anche per viaggiare rimanendo comodamente seduti sul divano di casa. Scritto da una delle maggiori esperte italiane di arte orientale, “Giappone. Cultura del viaggio” non è una semplice guida turistica, ma un racconto non convenzionale sul Paese del Sol Levante. Non è un semplice elenco di attrazioni, ma la narrazione dei luoghi e delle usanze che hanno plasmato l’identità di questo Paese così particolare. Dai giardini zen ai pachinko, dai capsule hotel al kabuki, il volume semplifica la complessità di un Paese molto diverso dal nostro. Perfetto da leggere prima di partire, o da centellinare mentre si è in viaggio.

Il volume presenta una selezione di circa duecentocinquanta opere provenienti dal Museum of Fine Arts di Boston. Suddivise in sette sezioni tematiche sono pubblicate le serie silografiche più importanti a firma dei due maestri che si confermano come i più grandi nomi dell'arte giapponese in Occidente e che segnano l'apice della produzione ukiyoe nota come "immagini del Mondo Fluttuante": Katsushika Hokusai (1760-1849) e Utagawa Hiroshige (1797-1858). Silografie policrome e disegni preparatori evidenziano l'approccio completamente diverso dei due artisti nella trattazione dei soggetti più amati e richiesti dai nuovi ceti cittadini di epoca Edo: la vita di città e le vie principali del Paese, le attività lavorative e gli svaghi, il mondo delle beltà femminili e del teatro, i temi letterari e storici, i soggetti di natura come fiori, pesci, uccelli, ma soprattutto i paesaggi e le vedute celebri del Giappone (meisho) con le loro peculiarità e attrazioni naturali, culinarie, architettoniche e la bellezza dei cambiamenti stagionali. Hokusai eccentrico e drammatico, Hiroshige calmo e posato, entrambi hanno esercitato con le loro opere un fascino che si perpetua ancora oggi, continuando nella produzione grafica contemporanea che va dai manga agli anime, fino al tatuaggio, e riscontrando citazioni continue da parte di artisti contemporanei giapponesi e stranieri.

Catalogo della mostra "Giappone: disegno e design. Dai libri illustrati Meiji ai manifesti d'arte contemporanea" ospitata al Castello di Masnago (VA). Una raccolta di preziosi libri d'arte giapponese di fine Ottocento e inizio Novecento, firmati dai più noti artisti dell'epoca. Realizzati con la tecnica silografica già in auge nell'epoca Edo con il filone artistico dell'ukiyoe, furono pubblicati nel periodo Meiji tra il 1890 e il 1908 per la maggior parte a Kyoto, dall'editore più importante del momento, Unsodo (ancora oggi attivo e specializzato proprio nella silografia) per essere usati come campionari per la realizzazione e la vendita di kimono, scatole in lacca, vasi di ceramica, ventagli. I volumi stampati in policromia con matrici in legno, sono esempi di alta raffinatezza pittorica e grafica e mostrano il profondo legame tra arti decorative, artigianato e pittura. In mostra sono inoltre presentati 60 poster dei più importanti graphic designer giapponesi contemporanei il cui lavoro grafico richiama soggetti e tecniche della tradizione pittorica mostrandone gli sviluppi attuali.

Il nucleo di opere giapponesi appartenenti alla collezione della Fondazione Palazzo Coronini Cronberg, costituito perlopiù da silografie policrome e pagine di volumi stampati con la stessa tecnica silografica, è testimonianza del successo nazionale e internazionale del filone artistico dello ukiyoe ("immagini del Mondo Fluttuante") ma anche del ruolo centrale che l'editoria ricoprì a partire dall'epoca Edo (1603-1867) nel processo di alfabetizzazione e di diffusione di prodotti a stampa anche a scopo di intrattenimento. Le tematiche evidenziate sono quelle principali del genere ukiyoe di epoca Edo - paesaggi di località celebri, ritratti di beltà e di attori kabuki, usi e costumi, le mode in auge al tempo - ma alcune stampe toccano anche gli eventi che segnarono la storia del Giappone di era Meiji (1868-1912): il conflitto bellico con la Cina (1894-95) ad esempio, e l'incontro con l'Occidente, con le sue novità scientifiche e tecnologiche e i suoi aspetti esotici. Ciò che si vuole evidenziare, dunque, è non tanto l'aspetto artistico già noto al pubblico, ma il contesto storico, sociale ed economico del Giappone Edo e Meiji che queste opere a stampa documentano. Un Giappone che inaugura e sviluppa tutte le caratteristiche di una società complessa e moderna durante gli oltre duecentocinquant'anni del governo militare del casato Tokugawa, in antitesi con quanto ancora troppo spesso si sostiene: una modernizzazione del Paese dovuta al solo incontro con l'Occidente e l'accettazione supina di un'ibridazione culturale.

La prima pubblicazione che racconta la storia del design giapponese attraverso il suo tradizionale spettro cromatico. Ogni colore è accompagnato da un breve testo descrittivo che ne spiega le origini e l'influenza nel mondo del design. Questa eccezzionale pubblicazione presenta una selezione di 200 colori, illustrando ogni tonalità con uno o più oggetti, dai kimono del XVI secolo alle sedie contemporanee, dai semplici utensili da cucina alle ceramiche più raffinate: un prezioso strumento per comprendere appieno il design giapponese.

Le origini dei colori tradizionali del Giappone si perdono nell’antichità. Dal fiore di ciliegio al bambù fuligginoso, dal verde aghi di pino alla vasta gamma dei marroni tè, i loro nomi evocano il fascino che da sempre la natura e il mutare delle stagioni esercitano sulla sensibilità giapponese. Inizialmente adottati nell’abbigliamento per indicare il rango, i colori tradizionali hanno visto i loro significati espandersi nel corso del tempo fino a includere oggi ogni sorta di oggetto di design. Questo volume celebra una selezione di 200 colori (iro, in giapponese), ciascuno esemplificato da uno o più oggetti che vanno dai kimono del XVI secolo alle sedute contemporanee, dagli utensili da cucina alle più raffinate ceramiche. Accanto a creatori quali Naoto Fukasawa, Issey Miyake e Reiko Sudo ritroviamo talenti meno noti o del tutto sconosciuti che hanno dato forma a una peculiare e durevole tradizione del design nipponico, tra tecniche artigianali ancestrali e tecnologie d’avanguardia. Ogni colore è contestualizzato da un breve testo descrittivo sulle sue origini e sull’influenza che ha esercitato in vari ambiti, con notizie sui pigmenti da cui venivano ricavate le pregiate tinture (come l’onnipresente blu indaco), o sui personaggi storici che hanno reso popolari alcune tonalità, come il maestro della cerimonia del tè Sen no Rikyu.