Silvana

Questa bellissima pubblicazione accompagna nel cuore della Maison Valentino, con la documentazione di oltre 150 abiti, dalla prima collezione di Valentino Garavani all'indimenticabile sfilata di Pierpaolo Piccioli in scena a Piazza di Spagna nel 2022. Il libro si apre con la rivisitazione del cortile della Maison a Palazzo Mignanelli, con 34 creazioni haute couture nel caratteristico colore rosso Valentino. Segue un viaggio attraverso nove gallerie, tra cui Capriccio Romana, quale omaggio al cinema e al paesaggio urbano della capitale, e un focus sugli abiti ideati per le dive di Valentino: Zendaya, Lady Gaga, Anne Hathaway e molte altre. Il volume prosegue con un'esperienza immersiva in passerella dalla collezione Valentino Pink PP; e infine la riproposizione dell'emozionante spettacolo Beginnings con oltre 60 ensemble di Valentino Garavani e Pierpaolo Piccioli. Pubblicato per accompagnare la storica mostra tenutasi a Doha nel 2022, il volume accoglie una serie di fotografie dell'allestimento, accompagnate da bozzetti e scatti di sfilate, il tutto stampato su diversi tipi di carta e fogli trasparenti, con l'intento di offrire un'originale esperienza tattile, ispirata ai cahiers de défilé (quaderni da collezione). Con testi dei curatori Alexander Fury e Massimiliano Gioni, e contributi di rinomati scrittori ed editori di moda, questo libro è un must per i seguaci della celebre Maison e per tutti gli appassionati della moda.

Protagonista della fotografia italiana della seconda metà del Novecento e fotoreporter di spicco nel panorama internazionale, Mario Dondero (Milano, 1928 – Petritoli, 2015) è stato testimone lucidissimo del suo tempo: per oltre sei decenni ha documentato storie rimaste ai margini del dibattito pubblico, animato da forti ideali di giustizia sociale, e ha concepito la fotografia come una pratica militante, appassionata, fondata sulla cultura e sulla capacità di stringere relazioni umane. Il volume, curato da Raffaella Perna, ripercorre le tappe salienti del suo lavoro, attraverso una selezione di circa cento fotografie, realizzate dagli anni cinquanta sino agli inizi del XXI secolo, che documentano i viaggi in giro per il mondo – l’Italia, la Francia, l’Irlanda, l’Africa, Cuba, l’Afghanistan – e i tanti incontri con scrittori, registi, attori, artisti, musicisti e filosofi, come Pier Paolo Pasolini, Laura Betti, Maria Callas, il gruppo del Nouveau roman, Pierre-Félix Guattari, Francis Bacon. Oltre al saggio della curatrice, sono qui presenti testi di Giorgio Agamben, Elisa Dondero, Maddalena Fossati Dondero, Antonio Gnoli, Laura Strappa e dodici sezioni tematiche introdotte dagli scritti del fotografo.

Il volume esplora le molteplici forme in cui si è espressa la ricezione di Leonardo da Vinci nel Novecento: l’età delle celebrazioni, delle manipolazioni, delle traduzioni e dei recuperi dell’artista del Rinascimento assunto a emblema dell’“uomo moderno”. Il ventesimo non è solo il secolo della Gioconda con i baffi di Marcel Duchamp: i saggi qui riuniti raccontano il Leonardo dei futuristi e quello di Walter Benjamin, il Leonardo “anatomico” riconosciuto da Luca Beltrami e quello reinventato nell’opera di Bruno Munari. Se ne ripercorrono, fino ai giorni nostri, fortuna e sfortuna critica, l’impatto nell’ambito della fotografia, del cinema e delle arti contemporanee, le manipolazioni del web, le derive dell’incultura, ma si ricordano anche i pionieristici interventi di restauro e recupero di primo Novecento e del secondo dopoguerra fino al fenomeno della diffusione dei motivi leonardeschi nella grafica e nell’editoria. E ancora, si sonda l’origine di quel mito del “genio italiano”, consolidatosi con il fascismo e riferito non solo all’innovazione nel campo delle arti, ma anche dell’architettura, dell’ingegneria, della tecnica e della scienza, come testimoniato dalla Mostra di Leonardo da Vinci e delle invenzioni italiane svoltasi a Milano nel 1939. Ri-leggere, ri-vedere, ri-scrivere Leonardo: le prospettive interdisciplinari qui proposte intendono anche raccontare un’epoca a confronto con il problema dell’eredità di un mito e con il parallelo, incessante e non ancora esaurito bisogno di ritrovare l’uomo-artista, di “vederlo e comprenderlo nella storia”.

Il gusto per i soffitti lignei dipinti costituisce un fenomeno che interessò soprattutto l’Europa meridionale dal Medioevo centrale al Rinascimento, rappresentando – pur se declinato secondo modalità strutturali ed esornative differenti – un elemento caratteristico e unificante. Anche se tali manufatti sono depositari di molteplici informazioni sulla cultura del tempo e costituiscono spesso l’unica cifra capace di tramandarci il decoro degli interni, solo recentemente sono divenuti oggetto di un sempre crescente interesse. Inserito nell’ambito di un percorso di ricerca in seno al Dipartimento di Studi umanistici e del patrimonio culturale (DIUM) dell’Università di Udine, il convegno ha riunito studiosi provenienti da Croazia, Francia, Germania, Italia, Portogallo, Spagna, Svizzera e, oltre ad affrontare aspetti strettamente scientifici, ha voluto stimolare l’interesse per questa espressione artistica in parte ancora a rischio di dispersione e di distruzione, tuttora poco nota a un pubblico non specialistico e soltanto parzialmente valorizzata. Testi in lingua originale.

Progetto Genesi. Arte e Diritti Umani, a cura di Ilaria Bernardi e promosso dall’Associazione Genesi, è un progetto cross-disciplinare e inclusivo che coniuga momenti espositivi ed educativi con l’obiettivo di fornire un’educazione permanente in tema di diritti umani. Si articola in un ricco programma composto da attività educative rivolte al pubblico di tutte le età, e da una mostra itinerante delle opere d’arte contemporanea dell’Associazione Genesi che costituiscono la Collezione Genesi, e che riflettono sulle più drammatiche questioni del nostro tempo. Dopo il successo della prima edizione di Progetto Genesi (tenutosi dal 21 settembre 2021 al 21 settembre 2022), questo volume racconta la seconda edizione del progetto concepita per l’anno 2023, focalizzandosi soprattutto sulle nuove quindici acquisizioni entrate a far parte della Collezione Genesi e mai esposte finora.

Il volume raccoglie i lavori del convegno (2017) che seguì l’esposizione, in tre sedi (Pienza, San Quirico d’Orcia e Montepulciano), su Il buon secolo della pittura senese. Tale rassegna vide articolarsi nella sede di Pienza la sezione su Francesco Rustici detto il Rustichino, ‘caravaggesco gentile’, con pitture e disegni del maestro e degli artisti da lui influenzati. A conclusione dell’esposizione, la prima dedicata al pittore, furono coinvolti dieci studiosi della pittura e del disegno del Seicento (a cui successivamente se ne sono aggiunti altri sei), che contestualizzarono la figura del Rustici nell’ambito del movimento caravaggesco. Ne è scaturita una serie di contributi che, oltre a mostrare la vastità dei rapporti del pittore con colleghi e mecenati, ha ribadito l’importanza del Seicento senese e ha fatto conoscere meglio l’attività degli artisti collegati al Rustici, con la presentazione di non poche opere inedite.

Il volume propone un viaggio nel mondo sorprendente di Corrado Cagli (Ancona 1910 - Roma 1976), grande pittore e maestro del Novecento. L’attività di Cagli è sempre stata orientata verso un orizzonte multidisciplinare, dalla pittura alla scultura e alla ceramica, dal teatro alla danza. I suoi esperimenti sono stati di grande ispirazione per artisti come Afro, Guttuso, Burri e Schifano. Le opere presentate - una trentina tra le più iconiche della sua produzione - sono state realizzate nel dopoguerra e sono databili alla fase più prolifica e di maggior qualità all’interno della sua opera: tra queste, alcune immagini esoteriche legate al mondo dei tarocchi, una selezione di opere del 1949 che sperimentano la quarta dimensione, caratterizzate da una gestualità fortemente espressiva, e le ‘carte mute’ realizzate tra il 1958 e 1959, dove l’artista converge arte, scienza, artigianato e teoria per creare straordinari effetti ottici. Il volume accoglie i testi introduttivi di Denise e Alberto Di Castro, Gian Enzo Sperone, Yuri Tagliacozzo, il saggio critico di Ester Coen e la contestualizzazione storica di Veronica Prestini.

Nel 1533 il re di Francia Francesco I donò a papa Clemente VII un arazzo raffigurante l’Ultima cena di Leonardo. Un’opera di qualità così alta da far supporre che il suo cartone fosse stato realizzato sotto la supervisione dello stesso Leonardo. Da allora, per secoli i papi utilizzarono l’arazzo per svolgere alla sua ombra alcune delle principali cerimonie religiose, fra cui la Lavanda dei piedi che si teneva ogni anno il Giovedì Santo. In queste occasioni, il pontefice usava anche uno splendido baldacchino, disegnato dagli allievi di Raffaello che avevano lavorato insieme al maestro urbinate nelle Stanze e nelle Logge Vaticane, ambienti tra i più prestigiosi del Palazzo Vaticano. Il volume racconta la storia di queste due magnifiche opere e delle cerimonie che le videro protagoniste.

A quasi vent’anni dalla scomparsa del grande scultore lombardo Francesco Somaini (1926-2005) il volume ne approfondisce per la prima volta la produzione pittorica, sottolineandone la stretta relazione con la creazione plastica. Attraverso un gruppo scelto di dipinti, eseguiti tra il 1950 e il 1965, rappresentativi delle varie fasi creative e delle diverse tecniche, il lettore è condotto nel cuore del laboratorio dell’artista attraverso sezioni tematico-cronologiche che analizzano momenti esemplari della sua attività, accostando dipinti, disegni e sculture di riferimento, esposti nelle collettive e personali più importanti del periodo. A cominciare dalla rassegna epocale Sessanta maestri del prossimo trentennio, curata da Carlo Ludovico Ragghianti a Prato nel 1955, grande estimatore della pittura dell’artista, che così scrive: “Francesco Somaini, scultore e pittore, in alcuni studi mostra un’esigenza profonda di spogliare, di andare alla radice essenziale delle cose: la capacità di sondaggio di un organismo si accompagna a un’eguale capacità di sintesi, che porta le sue immagini verso la calma monumentale di una compagine architettonica; ma lo sviluppo della forma, sorgente e come nascente da uno spazio partecipe con una scoperta vibrazione di vitalità, mantiene un tormento a volte tagliente, che si accentua nei disegni”.

Attraverso l'analisi di questioni di carattere attributivo, iconografico e iconologico, e tramite approfondimenti inerenti al rapporto tra scultura e architettura e a temi di carattere sociale - quali la gestione e l'organizzazione dei canteri, la relazione tra centro e periferia e i legami tra le botteghe e le singole maestranze -, questo volume si presenta come uno strumento completo per la comprensione dell'articolato panorama riguardante la scultura dello Stato di Milano dalla fine del XIV ai primi decenni del XVI secolo. L'ampio arco cronologico preso in esame, che vide avvicendarsi Visconti, Sforza e francesi, permette infatti di seguire i cambiamenti culturali e stilistici che caratterizzarono l'arte milanese fra Tardogotico e Rinascimento maturo e di mettere a fuoco l'operato di quegli scultori che influenzarono maggiormente gli artisti a loro contemporanei: su tutti, i Maestri campionesi e caronesi, Jacopino da Tradate, i fratelli Cristoforo e Antonio Mantegazza, Giovanni Antonio Amadeo, Cristoforo Solari e il Bambaia, attivi, a varie riprese e a più livelli, nei maggiori cantieri della zona, ossia quelli della Cattedrale di Milano e della Certosa di Pavia, veri e proprio centri di irradiamento della cultura figurativa lombarda del periodo. Inoltre, l'accento posto sugli spostamenti compiuti dalle maestranze native di questi territori milanesi e sugli scambi culturali e artistici che accompagnarono tali spostamenti, compiuti soprattutto dai cosiddetti "maestri dei laghi", fa sì che le ricerche qui contenute travalichino i confini milanesi e, dalla Spagna alla Slesia moderna, arrivino anche in Liguria, a Venezia, a Ferrara, nella Roma di Andrea Bregno e nella Sicilia di Domenico Gaggini, sottolineando così il vasto respiro delle tematiche affrontate nei diversi contributi raccolti in questo volume. Testi di: Alessandro Barbieri Beatrice Bolandrini, Massimiliano Caldera, Laura Damiani Cabrini, Grégoire Extermann, Laura Facchin, Giuseppe Fazio, Rosa López Torrijos, Predrag Marković, Fernando Marías, Giovanni Mendola, Mirko Moizi, Charles R. Morscheck, Thomas Pöpper, Marco Scansani, Martina Schirripa, Federica Siddi, Mariusz Smoliński, Andrea Spiriti, Michela Zurla.

Questo numero dei “Quaderni del Vittoriale”, in una veste grafica completamente rinnovata, propone nella nuova sezione monografica le relazioni presentate al convegno organizzato dalla Fondazione Il Vittoriale degli Italiani insieme alla Fondazione Giovanni Pascoli sui rapporti fra il poeta romagnolo e Gabriele d’Annunzio. La sezione dedicata alla “Fabbrica” del Vittoriale contiene contributi sulle residenze studio di d’Annunzio e Francesco Paolo Michetti, su Gian Carlo Maroni e il nuovo “Museo della Santa Fabbrica”, nonché sulla passione del Vate per oggetti da lui stesso progettati, come nel caso delle custodie per le bottiglie d’acqua. Infine nella sezione dedicata agli studi e alle ricerche sono presenti due significativi contributi: il primo è un saggio su Ludovico Toeplitz de Grand Ry, legionario e finanziatore dell’Impresa di Fiume, sul quale ben poco era stato scritto finora; il secondo è invece una rilettura critica delle Faville del maglio.

Il volume intende raccontare la seconda fase dell’Avanguardia futurista, successiva al periodo storico che, di fatto, si era concluso con la morte precoce di Boccioni nel 1916. È, anzi, proprio nelle successive generazioni, attive negli anni Venti e Trenta, che il Futurismo trova la propria unicità; rispetto alle altre avanguardie europee, ad esempio, esso dimostra una straordinaria longevità e una notevole capacità di aggiornamento sul cambio dei tempi, un fenomeno che è riuscito a diffondersi capillarmente anche nei piccoli centri e nelle periferie. È una fase meno nota al grande pubblico, che in queste pagine può riscoprirne i grandi protagonisti ma anche alcuni esponenti meno celebri, sorprendenti quanto a personalità e originalità di linguaggio: da Giacomo Balla, Luigi Russolo, Gino Severini, Enrico Prampolini, Filippo Tommaso Marinetti, Antonio Sant’Elia, Fortunato Depero, Tullio Crali a Roberto Marcello Iras Baldessari e Giulio D’Anna.